Estou disponibilizando , um slide que utilizamos em um seminário de Projeto de artes, ainda esta ressumido pelo extenso assunto que abordamos, mas fizemos um link, sobre as tendencias e os assuntos abordados espero que voces gostem! e aprendam tanto quanto aprendemos nessa pesquisa.. ainda pretendo postar coisas sobre o assunto ivy.lioncourt@hotmail.com! entre em contato e eu disponibilizo
beijos
domingo, 29 de maio de 2011
Teatro Cólon - Argentina- Especial para os alunos da Xu *-*
Bom dia pessoal!, sei que não temos muiuto tempo durante a semana, é por isso que vou disponibilizar aqui para voces meus amigos do curso de espanhol, o conteudo da minha pesquisa cultural. hoje deixo ápenas um pouco sobre o lindissimo teatro Cólon, e em breve farei um reportagem em portugues para os demais leitores e ajuda de voces e os dados que recolheram , rsrs aceito de bom coração, um Abraço a todos! e divirtam-se
Ivy !
Ballet do Teatro Cólon- Repertórios
Ivy !
Ballet do Teatro Cólon- Repertórios
Una intensa variedad promete el regreso al escenario del Colón del Ballet Estable. Dos reposiciones ampliamente disfrutadas por el público se suman al estreno de Margarita y Armando, el dúo que, basado en la Sonata en Si menor de Liszt, Frederick Ashton concibió para dos grandes de la danza: Margot Fonteyn y Rudolf Nureyev.
Del 19 al 24 de abril
El segundo título de la trilogía de ballets clásicos de Piotr Ilich Tchaikovski será ofrecido en una renovada versión. Toda la magia de la inmortal historia de Perrault, que además incluye a muchos de los más entrañables personajes de sus cuentos, se despliega en este espectáculo fascinante.
Del 30 de junio al 8 de julio
Bailado por grandes figuras de la danza aclamadas en nuestro país, como Silvia Bazilis y Raúl Candal o Alessandra Ferri y Maximiliano Guerra, siempre con arrollador éxito, este título contiene la mejor música del compositor ruso y toda la pasión que destila la historia de Pushkin, a la que volverán a dar vida bailarines invitados de la compañía que lo estrenó en el Teatro Colón: el Ballet de Stuttgart.
Del 28 de agosto al 4 de septiembre
Para todos los que no pudieron verlo, vuelve a esta temporada la vibrante coreografía de McMillan, que reproduce la historia de la cortesana Manon Lescaut y su amado Des Grieux, escrita por el abate Prévost, inmortalizada por la ópera y aquí, por el diseño de uno de los más grandes coreógrafos de todos los tiempos.
Del 6 al 13 de noviembre
Del 18 al 28 de diciembre
Los chicos no podían estar ausentes de la propuesta balletística para 2011. Con El Carnaval de los Animales nadie podrá resistirse al encanto de estos retratos musicales que cobran vida con la danza. Dos consagrados artistas argentinos serán la columna vertebral de la concepción de este espectáculo que incluirá textos de María Elena Walsh, en un insoslayable homenaje.
Del 22 al 30 de julio
Teatro Colón
Cerrito 628
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
República Argentina | +5411 4378 7100www.teatrocolon.org.ar | info@teatrocolon.org.ar
Cerrito 628
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
República Argentina | +5411 4378 7100www.teatrocolon.org.ar | info@teatrocolon.org.ar
Historia
Antecedentes de la actividad musical en Buenos Aires
El Teatro Colón de la ciudad de Buenos Aires es considerado uno de los mejores teatros del mundo. Reconocido por su acústica y por el valor artístico de su construcción, cumplió 100 años en 2008.
El actual edificio está emplazado entre Cerrito, Viamonte, Tucumán y Libertad, en pleno centro de la ciudad de Buenos Aires, y fue inaugurado el 25 de mayo de 1908 con la ópera Aida de Giuseppe Verdi. Este edificio reemplaza al antiguo Teatro Colón, erigido en la manzana que ocupa hoy el Banco Nación, frente a la plaza de Mayo, y que funcionó entre 1857 y 1888.
La construcción del nuevo edificio llevó alrededor de 20 años, siendo colocada su piedra fundamental el 25 de mayo de 1890, con la intención de inaugurarlo antes del 12 de octubre de 1892 en coincidencia con el cuarto centenario del descubrimiento de América. El proyecto inicial fue del arquitecto Francesco Tamburini quien, a su muerte en 1891, fue continuado y modificado por su socio, el arquitecto Víctor Meano, autor del palacio del Congreso Argentino. Las obras avanzaron hasta 1894, pero se estancaron luego por cuestiones financieras. En 1904, Meano fue asesinado en su casa y el gobierno encargó al belga Jules Dormal que termine la obra. Dormal introdujo algunas modificaciones estructurales y dejó definitivamente impreso su sello en el estilo francés de la decoración.
A fines de 1907 se firmó el primer contrato de arrendamiento del Teatro Colón, aunque los trabajos de terminación del edificio estaban atrasados en relación con la fecha fijada para la inauguración de la sala, el 25 de mayo de 1908. De todas maneras, en esa fecha se llegó a realizar la primera función en la sala principal del Teatro Colón a cargo de la Gran Compañía Lírica Italiana con la ópera Aida de Giuseppe Verdi, aunque con algunas dependencias del edificio inconclusas como el Salón Dorado y las marquesinas de hierro sobre las calles Libertad y Cerrito.
Dimensiones físicas, características, ampliaciones y reformas del edificio
La sala principal, en forma de herradura, cumple con las normas más severas del teatro clásico italiano y francés. La planta está bordeada de palcos hasta el tercer piso. La herradura tiene 29,25 metros de diámetro menor, 32,65 metros de diámetro mayor y 28 metros de altura. Tiene una capacidad total de 2.478 localidades, pero también pueden presenciar los espectáculos alrededor de 500 personas de pie. La cúpula, de 318 metros cuadrados, poseía pinturas de Marcel Jambon, que se deterioraron en los años treinta. En la década de 1970 se decidió pintar nuevamente la cúpula y el trabajo le fue encargado al pintor argentino Raúl Soldi.
El escenario posee una inclinación de tres centímetros por metro y tiene 35,25 metros de ancho por 34,50 de profundidad, y 48 metros de altura. Posee un disco giratorio de 20,30 metros de diámetro que puede accionarse eléctricamente para girar en cualquier sentido y cambiar rápidamente las escenas. En 1988, se realizaron trabajos de modernización de la maquinaria escénica en el sector de las parrillas, con el fin de facilitar el manejo de los decorados y agilizar los cambios de escena.
El foso de la orquesta posee una capacidad para 120 músicos. Está tratado con cámara de resonancia y curvas especiales de reflexión del sonido. Estas condiciones, las proporciones arquitectónicas de la sala y la calidad de los materiales contribuyen a que el Teatro Colón tenga una acústica excepcional, reconocida mundialmente como una de las más perfectas.
El Teatro Colón realiza las producciones de sus espectáculos en talleres propios que están ubicados en los subsuelos. En 1938 se ampliaron los subsuelos bajo la plaza lateral sobre Arturo Toscanini y se ejecutó un túnel que conectaba los talleres de producción. Ese año fueron habilitados los talleres de Maquinaria, Escenografía, Utilería, Sastrería, Zapatería, Tapicería, Mecánica escénica, Escultura, Fotografía, Maquillaje y Peluquería. En 1963 se crea el taller de decoración de utilería y pintado de trajes. Desde 1968 a 1972, según el proyecto del arquitecto Mario Roberto Álvarez, se encaró una segunda ampliación, avanzando debajo de la plaza y la calle Cerrito. En este lugar se sitúan los sectores de producción teatral, talleres escenográficos, salas de ensayos, oficinas administrativas y un comedor para el personal. Se incorporaron luego la sección técnica de Diseño de Producción y los talleres de Luminotecnia, Efectos especiales electromecánicos, y Audio y Video.
En 2000 el Poder Ejecutivo de la Ciudad, a través de la Subsecretaría de Patrimonio Cultural, convoca a la Dirección General de Infraestructura para elaborar un “Plan Maestro” para la puesta en valor del edificio y actualización tecnológica de la caja escénica.
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| Rudolf Nureyev |
Grandes artistas que pasaron por el Teatro
Actuaron compositores como Richard Strauss, Arthur Honegger, Igor Stravinsky, Paul Hindemith, Camille Saint-Saëns, Manuel de Falla, Aaron Copland, Krzysztof Penderecki, Gian-Carlo Menotti, Héctor Panizza, Juan José Castro, Gerardo Gandini y Mauricio Kagel. Diferentes generaciones de directores de orquesta se presentaron en nuestra sala como Arturo Toscanini, Erich Kleiber, Fritz Busch, Ernest Ansermet, Wilhelm Furtwängler, Herbert von Karajan, Tulio Serafin, Leonard Bernstein, Mstislav Rostropovich, Karl Böhm, Fernando Previtali, Lorin Maazel, Bernard Haitink, Zubin Mehta, Riccardo Muti, Kurt Masur, Michel Corboz, Riccardo Chailly, Sir Simon Rattle, Claudio Abbado, René Jacobs y los argentinos Daniel Barenboim, Gabriel Garrido y Miguel Ángel Veltri, entre otros.
Entre los cantantes, la extensa lista incluye, entre miles, los tenores Enrico Caruso, Beniamino Gigli, Lauritz Melchior, Mario del Monaco, Richard Tucker, Wolfgang Windgassen, Alfredo Kraus, Plácido Domingo, José Carreras y Luciano Pavarotti; las sopranos Claudia Muzio, Lily Pons, Maria Callas, Renata Tebaldi, Kirsten Flagstad, Victoria de los Ángeles, Joan Sutherland, Birgit Nilsson, Montserrat Caballé, Eva Marton, Kiri Te Kanawa, Katia Ricciarelli, Mirella Freni, June Anderson y Renée Fleming; las mezzosopranos Fedora Barbieri, Marilyn Horne, Teresa Berganza, Christa Ludwig, Régine Crespin, Frederica von Stade, Waltraud Meier y Cecilia Bartoli; los barítonos Titta Ruffo, Leonard Warren, Hans Hotter, Cornell MacNeil, Hermann Prey, Sherrill Milnes, José van Dam, Dmitri Hvorostovsky; y los bajos Fedor Chaliapin, Borís Christoff, Ferruccio Furlanetto y Samuel Ramey.
También cantaron en el Colón artistas argentinos que han desarrollado una importante carrera internacional como Delia Rigal, Luis Lima, Raúl Giménez, Ana María González, Renato Cesari, Ricardo Cassinelli, Gian-Piero Mastromei, Ángel Mattiello, Carlo Cossutta, Carlos Guichandut, Cecilia Díaz, Paula Almerares, Marcelo Álvarez, José Cura, Darío Volonté y Virginia Tola.
Entre las primeras figuras de la danza que bailaron en el Teatro Colón se destacan Anna Pavlova, Vaslav Nijinsky, Rudolf Nureyev, Alicia Alonso, Maia Plissetskaya, Margot Fonteyn, Mijail Barishnikov, Vladimir Vassiliev, Antonio Gades y los argentinos María Ruanova, Olga Ferri, Michel Borovsky, José Neglia, Norma Fontenla, Wasil Tupin, Esmeralda Agloglia, Jorge Donn, Julio Bocca, Maximiliano Guerra y Paloma Herrera.
En las temporadas líricas, trabajaron prestigiosos régisseurs como Ernst Poettgen, Margarita Wallmann, Otto Erhart, Cecilio Madanes, Roberto Oswald, Jorge Lavelli, Gilbert Defló, Nicolas Joel, Pier Luigi Pizzi y Hugo de Ana, junto a destacados escenógrafos y figurinistas como Nicolas Benois, Paul Walter, Aníbal Lapiz, José Luciano Varona, Raúl Soldi, Guillermo Roux, Ezio Frigerio, Franca Squarciapino y Graciela Galán. También las principales orquestas del mundo actuaron en el Teatro Colón, como por ejemplo la Filarmónica de Viena, la Sinfónica de Filadelfia, la Sinfónica de Nueva York, la Filarmónica de Berlín y la Philarmonia de Londres. Destacados solistas instrumentales se lucieron en su escenario, como Martha Argerich, Alfred Brendel, Paco De Lucía, Antonio De Raco, Nelson Freire, Bruno Gelber, Friedrich Gulda, Gidon Kremer, Alberto Lysy, David Oistrakh, Manuel Rego, Narciso Yepes, Itzhak Perlman, Midori, Yo-Yo Ma, Pinchas Zukerman, Mstislav Rostropovich, Ralph Votapek y Misha Maiski, entre tantos otros dificio tendrá el privilegio de indicar a primera vista su propio destino.”
Hitos en la historia del Teatro
Desde 1908 hasta 1925, el Teatro Colón fue organizado con el sistema de empresas concesionarias ligadas con la Municipalidad de Buenos Aires por contratos, que determinaban sus obligaciones artísticas y financieras, y bajo el control de comisiones especiales en las que se trataba de dar representación a los abonados. Este sistema no funcionó, ya que el público exigía un repertorio que abarcara más que el italiano, el predominante de las compañías concesionarias.
En 1925 la Municipalidad de Buenos Aires crea los cuerpos estables del Teatro Colón –la Orquesta, el Coro, el Ballet y el cuerpo técnico– y durante cinco años se sucedieron temporadas de explotación mixta (concesionarios-Municipalidad).
En 1931 los ediles porteños decidieron municipalizar de manera definitiva al Teatro Colón, en forma de servicio público, con patrimonio propio.
En 1937 se crea la Escuela de Ópera del Teatro Colón, que en 1960 pasará a llamarse Instituto Superior de Arte del Teatro Colón a instancias de los maestros Alberto Ginastera, Enrique Sivieri y Michel Borovsky. Instrumento fundamental de la tarea docente del Teatro, el Instituto funcionaba en diferentes pisos del edificio, dictándose las carreras de Danza clásica, Canto lírico, Régie, Dirección musical de ópera y Caracterización teatral.
En 1961 se incorpora a las actividades permanentes del Teatro Colón a la Orquesta Filarmónica de Buenos Aires, creada en 1946 y que desde 1950 ofrece ciclos de concierto de abono en esta sala y participa en los espectáculos del Ballet Estable del Teatro Colón.
En 1969 la Municipalidad de Buenos Aires crea la Ópera de Cámara del Teatro Colón, conformado su elenco con algunos de los más notables cantantes de la casa.
En 1989 se declara al Teatro Colón “Monumento Histórico Nacional”.
En 1990 se crea el Centro de Experimentación del Teatro Colón, con el fin de promover las actividades artísticas de vanguardia.
En 2008 la Legislatura porteña sanciona la Ley de Autarquía del Teatro Colón.
"Royal Academy of dance"
Método RAD " Royal Academy of Dance"
A "Academia Real de Dança" (RDA) de Londres, foi fundada em 1920 por um grupo de artistasdança calassica e contemporanea reunidos por Phillip Richardson, editor do jornal Dancing Times. A academia combina métodos e técnicas de dança franceses, italianos e russos para criar um estilo único de ballet profissionais da
Representando os princípais métodos de ensino e da prática de dança da época o grupo formou a Associação de Professores de Dança da Grã-Bretanha e pelos próximos dezesseis anos cresceu em tamanho e influência, o que a levou a receber um selo real. No último encontro do Conselho Privado do Rei Jorge V em 1936, a Associação tornou-se a Real Academia de Dança.
Com mais de quinze mil membros em 82 países diferentes, a Academia é uma das mais maiores e mais influentes organizações de ensino e prática de dança do mundo Seus membros recebem uma revista especializada três vezes por ano e ela tem a maior banca examinadora de ballet clássico do mundo, perante a qual cerca de 200 mil candidatos prestam exames durante todo o ano para ingresso nos cursos ministrados.
Muitos dos alunos que se formam na Academia nas primeiras colocações dos concursos internos e internacionais que ela promove anualmente, são convidados depois a se juntarem ao Royal Ballet de Londres.
segunda-feira, 23 de maio de 2011
Método Vagonova
O Método Vaganova é um método de ensino de ballet clássico que foi desenvolvido por Agrippina Vaganova. Ela criou um programa de estudos para melhor ensinar a arte do Ballet Clássico.
Suas origens são derivadas de métodos de ensino dos instrutores do Imperial Ballet School.
Em 1948, Vaganova autora do livro “A Fundação Para Dançar” (mais conhecido como “Princípios Básicos da Dança Clássica Russa”). O livro apresenta as suas ideias sobre a técnica do ballet e pedagogia. Vaganova foi uma estudante na Escola de Ballet Imperial de São Petersburgo, formando-se em 1897 para dançar profissionalmente no Ballet Imperial Russo. Aposentou-se em 1916 para seguir uma carreira docente. Após a Revolução Russa de 1917, ela voltou para a escola como professora em 1921, embora até então tinha sido re-estabelecida na Escola Coreográfica de Leningrado pelo governo soviético. O Ballet Imperial Russo também foi desmantelada e re-estabelecido como o Ballet Soviética.
Como professora, Vaganova planejou seu próprio método de formação de ballet clássico, fundindo elementos dos métodos francês, italiano e outras, bem como as influências de outros bailarinos russos e professores. Este método tornou-se conhecido mundialmente como o método Vaganova formando alguns dos bailarinos mais famosos da história.
Nos trinta anos que passou ensinando balé e pedagogia, Vaganova desenvolveu uma técnica precisa e um exigente sistema de ensino. Princípios do método Vaganova incluem o desenvolvimento de menor força e mais plasticidade dos movimentos dos braços, dando foco na força necessária, flexibilidade e resistência para o Ballet. Muito de seu trabalho concentrou-se na capacidade do bailarino para executar um Pas de Deux clássico e as habilidades necessárias para tal desempenho. Em termos de formação pedagógica, a atenção foi na precisão da instrução de um professor, o deixando extremamente apto para ensinar perfeitamente o método.
Após a morte de Vaganova, em 1951, seu método de ensino foi preservado pelos instrutores, como Vera Kostrovitskaya. Em 1957, a escola foi renomeada a Academia de Ballet Vaganova, em reconhecimento das suas realizações. Hoje, o método Vaganova é o método mais comum de ensino de balé da Rússia. É também amplamente utilizado na Europa e na América do Norte. A Academia de Ballet Vaganova continua a ser a escola associada do ex-Ballet Imperial Russo, embora agora é conhecido como o Ballet Mariinsky.
O Método Vaganova 
Este método é plasticamente harmônico de movimentos e da expressividade dos braços, na flexibilidade, ao mesmo tempo tem um corpo forte, firme na colocação natural da cabeça, esses são os traços distintivos do “Vaganova School“.
Além de analisar o posicionamento dos pés dos bailarinos, Vaganova dava atenção detalhada para a colocação dos braços durante o movimento. Ela acreditava que os braços de um bailarino não deveriam simplesmente decorar um movimento, mas sim ajudar o bailarino nos saltos altos e nas voltas. Este método é visível na técnica de Mikhail Baryshnikov, bailarino do século 20 que é conhecido por seus saltos aparentemente impossível no ar, muitas vezes sem qualquer preparação aparente. Baryshnikov usava seus braços para criar sustentação em seu corpo, sem flexionar as pernas para empurrar o chão, um traço comum a todos os bailarinos formados no método Vaganova.
Ao invés de confiar na intuição e improvisação durante as aulas, Vaganova rigorosamente planejava cada aula de antemão. Assim, suas aulas tinham uma evolução aparente, tendo bons bailarinos através de sequências difíceis e interessantes. Além disso, ela fazia questão de explicar as razões de cada exercício, para que os alunos não só podiam fazer os exercícios necessários, mas também poderiam descrever a forma correta e explicar o propósito do exercício. Além disso, muitas vezes ela pedia aos estudantes para descrever, por escrito, por que uma etapa não foi executada corretamente, que os ajudou a compreender o que estavam fazendo de errado e como corrigir suas falhas. Vaganova também ativou a criatividade entre seus alunos, pedindo-lhes para criar novas combinações de passos que tinha aprendido nas suas aulas.
Vaganova foi chefe do Estado-Teatro Acadêmico de Ópera e Ballet Mariinsky, de 1931-1937. Ela continuou a usar a tradição clássica, mas também apresentou coreografias inovadoras, incluindo uma versão totalmente nova do Lago dos Cisnes. Ao mesmo tempo, o ballet tradicional estava sendo atacado por ser muito conservador e criativamente estagnado. Vaganova conseguiu mudar esse conceito, mas ela não abandonou a tradição clássica, sustentando que o novo estilo deveria retirar os exercícios clássicos, e que a dança deve fluir refletindo a emoção e o comportamento humano. A escola russa de dança que cresceu a partir de sua influência criando aulas e turmas avançadas, com ótima técnica e conscientes de cada movimento. Ela também se concentrou no núcleo força e movimentos que eram complexos, ágeis, diversificados, amplos, e rápidos. Os braços e a cabeça, longe de serem meros apêndices decorativos, são partes integrantes do movimento do corpo como um todo, e criou a estabilidade do corpo, força, vida, extensão e aparência.
Vaganova treinou um grande número de bailarinos talentosos e bem sucedidos, incluindo Marina Semenova, Kamkova Natalia, Ulanova Galina, Mungalova Olga, Vecheslova Tatyana, Kolpakova Irina, Balabina Feya e Natalia Dudinskaya. Ela também tinha grande influência sobre bailarinos através de seu livro, “Princípios básicos do Ballet Clássico, que foi publicado em 1934 e que se tornou o padrão para todo o ensino de balé soviético.
Vaganova morreu em Leningrado, em 5 de novembro de 1951, mas seu legado de bailarinos formados e professores se manteve e continua a influenciar o ballet até hoje. Como professora, Vaganova foi gentil e encorajadora, mas também exigiu precisão, atenção aos detalhes, concentração e trabalho duro. Ela incentivou seus alunos a aprender constantemente
Os grandes métodos de ensino: Método George Balanchine
Giorgi Melitonovich Balanchivadze (São Petersburgo, 22 de Janeiro de 1904 – Nova Iorque, 30 de Abril de 1983) foi um coreógrafo.
Nasceu em São Petersburgo, na Rússia, em 1904, com o nome de Georgi Militonovitch Balanchivadze. Influenciado pelo pai, que era compositor, o jovem bailarino estudou composição e piano no Conservatório de Leningrado, o que fez com que se tornasse, segundo críticos da época, o coreógrafo de maior conhecimento musical de seu tempo.
Começou na Escola Imperial em 1914, onde veio a se formar sete anos depois. Estreou como coreógrafo em 1923, com um pequeno grupo de bailarinos, entre os quais Alexandra Danilova e no ano seguinte, sua companhia denominada "Os Bailarinos do Estado Russo" incursionou pelo estrangeiro para fugir para o mundo ocidental.
Desertou da União Soviética em 1924, quando foi então convidado por Diaghilev para ingressar em sua Companhia, os Ballets Russes. Nesta Companhia, criou importantes coreografias como La Pastorale, Jack in the Box e Triumph of Neptune.
Nos Estados Unidos, aceitando convite de Lincoln Kirstein (1907-1996), que sonhava em criar uma escola e companhia de balé na América, Balanchine desenvolve uma dança totalmente nova, a partir dos estilos dos balés clássicos francês, italiano e russo. Teve uma longa colaboração com Igor Stravinsky (Apollo foi uma das coreografias que fizeram juntos), e em 1934 fundou em Nova Iorque a School of American Ballet. E em 1948, cria a Companhia de balé Americano, o New York City Ballet, passando então, a trabalhar como mestre de balé e principal coreógrafo da Companhia, até a sua morte, em 1983.
Com toda sua enorme trupe de bailarinos, mudou-se em 1964 para o New York State Theater, instalado no Lincoln Center, que foi especialmente construído para ele. Quando morreu, da doença de Creutzfeldt-Jakob, os bailarinos oriundos de sua companhia dirigiam mais de dez companhias de balé nos Estados Unidos, Suíça e Japão.
Balanchine é reconhecido como o coreógrafo que revolucionou o pensamento e a visão sobre a dança no mundo, sendo responsável pela fusão dos conceitos modernos com as idéias tradicionais do balé clássico, o verdadeiro criador do bailado contemporâneo e um dos maiores influenciadores dos mestres da dança de nossos dias, a exemplo de Antony Tudor, William Dollar, Agnes de Mille, Alvin Ailey, John Neumeier, Robert Joffrey, Harold Lang, Arthur Mitchell, Richard Tanner, William Forsithe, Twyla Tharp e até os modernos Alwin Nikolais, Eliot Feld e Merce Cunningham, além de Jerome Robbins (Jerome Rabinovitz), expressão máxima da criação neoclássica norte-americana, igualmente de origem russo-judaica.
Entre os mais de quatrocentos trabalhos do artista, destacam-se: Serenade (1934), Concerto Barocco (1941), Le Palais de Cristal, mais tarde renomeada para Symphony in C (1947), Orpheus (1948), The Nutcracker (1954), Agon (1957), Symphony in Three Movements (1972), Stravinsky Violin Concerto (1972), Vienna Waltzes (1977), Ballo della Regina (1978), e Mozartiana (1981). Seu último balé, Variations for Orchestra , foi criado em 1982. Sua produção inclui ainda coreografias para filmes, óperas e musicais, destacando-se a famosa para o palco, On Your Toes (1936), que mais tarde transformou-se em filme.
Balanchine escreveu de si mesmo, "Nós devemos primeiramente compreender que a dança é uma arte independente, não um mero acompanhamento. Eu acredito que ela seja uma das grandes artes…A coisa importante no balé é o movimento por si mesmo. Um balé pode conter uma história, mas o espetáculo visual…é o elemento essencial. O coreógrafo e o bailarino devem lembrar-se que eles devem alcançar a platéia através dos olhos. Esta é a ilusão no qual convence a platéia, tal como é no trabalho de um mágico." Balanchine se comparava a um artesão, como se fosse um cozinheiro ou marceneiro.
Durante sua trajetória recebeu muitas homenagens oficiais e reconhecimento pelo seu trabalho: Em 1975, o Entertainment Hall of Fame in Hollywood lhe indicou como um membror, em um especial de televisão dirigido por Gene Kelly e neste mesmo ano recebeu o French Légion d'Honneur. Em 1978, ele era um dos cinco recebedores (com Marian Anderson, Fred Astaire, Richard Rodgers, e Artur Rubinstein) do primeiro Kennedy Center Honors, presidido pelo presidente Jimmy Carter. Era também sempre presenteado com o Knighthood of the Order of Dannebrog, da Rainha Margrethe II de Denmark. Em 1980, foi homenagiado pelo National Society of Arts and Letters com o prêmio Gold Medal. Do governo Australiano recebeu o Austrian Cross of Honor for Science and Letters e recebeu também o prêmio "Heart of New York", pelo New York Chapter of the American Heart Association. Na França foi agraciado com as condecorações do French Commander of the Order of Arts and Letters e do National Institute of Arts and Letters por suas contribuições as artes. O último prêmio de maior importância recebido por ele, apesar de ausente, foi a Presidential Medal of Freedom em 1983, a maior honra que pode ser oferecida a um cidadão Norte Americano. Neste momento, o presidente Ronald Reagan elogiou o gênio de Balanchine, dizendo que ele tinha "inspirado milhões com as suas coreografias no palco....e maravilhado uma população diversa através do seu talento." Pouco tempo depois, em 30 de abril de 1983, George Balanchine morre em Nova York aos 79 anos.
Finalizando apresentamos duas definições do próprio Balanchine sobre a dança: "Dança é a necessidade que temos de exprimir o que sentimos ao escutar música." "Nos ballets de dança pura, não há libreto ou força interior, mas simplesmente a música. Sobre ela o coreógrafo trabalha exatamente como o poeta sobre a métrica
Ivy Lioncourt
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